Fuera del cineasta gay La característica de segundo año de Samuel Van Grinsven («Sequin in a Blue Room»), «Entran la colina», es una historia impresionante, intrigante y etérea queer Ghost Ghost.
Jack (Dacre Montgomery de «Stranger Things») llega a un funeral por su madre separada, Elizabeth, y conoce a su esposa, Jill (Vicky Krieps, jugando a lesbianas nuevamente después de «leche caliente» a principios de este verano). Jack afirma que Jill lo invitó, pero Jill explica que no sabía que Elizabeth tenía un hijo. Eso es inquietante, y más tarde se revela que Elizabeth puede comunicarse a través de Jack y Jill al poseerlos en diferentes momentos.
Cuando Jack se queda con Jill después del funeral, tanto la viuda como el hijo procesan su dolor y se enfrentan a traumas y abusos. Una escena de Jill que le da un baño a Jack alterna entre tenso y tierno porque Elizabeth encarna a Jill. También hay una escena de arresto en la que Jack, poseído por Elizabeth, tiene relaciones sexuales con Jill.
Esta película magníficamente lente es una pieza de humor embriagador que exige desempacar. En una entrevista reciente, Van Grinsven habló con Noticias EGF sobre hacer «Subiendo la colina».
«Subiendo la colina» tiene un tono y textura distante, casi separado. ¿Puedes hablar sobre crear la sensación fría y gris de la película? Es muy palpable.
Temáticamente, la película es realmente sobre el control. Es único en que se contó con dos actores. Ese tercer personaje es la encarnación de ese tema de control. Porque (Elizabeth) no está físicamente en la pantalla, y la audiencia no la conoce en la carne, se trataba de cómo imbuimos su sentido de control y su historia en la casa, en las texturas y en el paisaje. Lo encontramos en la paleta de colores que vino del remoto paisaje de Nueva Zelanda. Lo bloqueamos con huesos y marrones.
Del mismo modo, hay un rigor en el estilo de su película con los primeros planos y el uso del silencio y la música. ¿Puede describir su enfoque visual y auditivo para contar la historia de la manera en que lo hizo? Es inquietante.
Quería que se sintiera ineludible de muchas maneras. Quería que sintieras que entraste en una conversación a la que no estuviste invitado, o que las personas que tenían que no sabían que podías escucharlas. Tenía sentido que estos personajes que viven en una casa remota no hablaran muy fuerte. Los actores se inclinaron en actuaciones tranquilas, lo que invitó a la cámara más cerca. Jugamos con un tema fantasmal de posesión en la película, pero no hay artificio, ni efectos visuales o disfraces para crear el personaje «fantasma». Todo está en las actuaciones de los actores. Vicky y Dacre crearon estas minuciosas diferencias entre ellos como su personaje central y este personaje fantasma. Eso significaba entrar íntimamente y dejar que la audiencia viera a los actores cambiar a personas con solo los músculos en su cara.
Hay cierta ambigüedad en el juego en la narrativa, ya que el primer episodio en el que Jack está «poseído» por Elizabeth puede ser leído como un sueño. A medida que avanza la película, los espectadores aprenden más sobre la dinámica fantasmal en el juego y recalibran. ¿Cómo desarrollaste la historia del «fantasma»?
Queríamos mantener viva una sensación de transgresión. Eso es lo que está en juego en la película, y la forma en que se escribe el guión, se siente como dos niños que se escabullen en las habitaciones del otro por la noche y se comportan como si no hubiera adultos alrededor. El sentido de transgresión se vuelve palpable. Los actores decidieron jugar no literalmente como en «Estoy poseído», sino en sus cabezas. Era emocionalmente jugable para ellos: Jack y Jill están creando un personaje de madre/esposa el uno para el otro en lugar de un fantasma literal. Espero que se sienta más natural y matizado que si nos apoyáramos en los efectos.
Jack siente la ternura de su madre cuando Jill le da un baño. Jill siente el amor de su esposa durante una escena de sexo con Jack. ¿Qué inspiró estos momentos?
Es ese elemento de transgresión nuevamente. Los personajes establecen reglas básicas sueltas y revisan cómo funcionan las cosas cuando se vuelven (Elizabeth). Proban los límites. Eso juega con la idea de «intimidad no ganada». No me refiero al lado sexual de la intimidad. Jack no ha tenido recuerdos clave de la infancia fundamental, como ser bañado por su madre. Para Jill, ella lucha con saber que su esposa ha vuelto, pero en forma masculina. Ella siente el toque familiar de alguien que conoce que solo le gusta que su pareja pueda. Es un secreto compartido, como la forma en que rastrean tu espalda. Es de otra manera (Elizabeth) se comunica y dice: «En realidad soy yo. Solo tú puedes saber esto».
Aprecié que la homosexualidad «corre en la familia», como reconoce un personaje. ¿Puedes discutir por qué hiciste a Jill y Jack Queer?
Jack fue extraño desde el primer momento. No escribo muchos personajes consecutivos. Si ambos líderes hubieran sido heterosexuales, la audiencia estaría arraigada con expectativas alrededor de eso con una película de Triangle Ghost. Si jugaras hacia o en contra de esas expectativas, aún estarían allí. ¿Se enamoraría de su hijastro? ¿Se sentiría atraído por su madre de manera sexual porque en realidad no es su madre? La dinámica queer elimina eso y la historia funciona como lo que es. Jack no sabía que su madre era rara. Saber que tiene eso en común con ella crea una conexión instantánea que es bastante agradable.
El agua es un símbolo de limpieza y purificación, pero también de renovación, renacimiento y transformación. ¿Puedes hablar sobre el simbolismo en la película? No es solo que los personajes vayan a un cubo de agua.
La conexión con la rima infantil es definitivamente una parte de ella. (Risas). Estaba interesado en el agua en un sentido «sano», cómo restringe cosas como la comunicación y agrega participaciones a la vida. Los humanos se sienten más débiles en el agua. Hay una belleza y un peligro para ello. También está su conexión con el útero y el nacimiento. El diseño de sonido en las escenas de agua literal, la bañera y el lago y cómo funciona el sonido en la casa, siempre nos conecta a este personaje que nunca está en la pantalla.
«Subiendo la colina» se trata de dolor y deja ir, pero también lidiar con un trauma. ¿Puedes hablar sobre explorar esos temas?
Estaba interesado en esta idea de dos personajes que enterran las heridas de trauma y entran en ella creyendo que este tercer personaje puede curarlos. En toda la película establecemos por qué estas dos personas buscan (Elizabeth) tan fuertemente. Tiene que ver con el hecho de que son desplazados de su familia biológica. Eso se sintió verdadero e importante para mí explorar con un personaje lésbico y gay: la forma en que la comunidad queer puede encontrar a la familia entre sí.
¿Crees en los fantasmas? ¿Has tenido un encuentro fantasmal?
Creo que lo hago. No sé si lo hice al comienzo de la película. Eso fue interesante para mí. Siempre me ha fascinado. Hubo muchos momentos en esta película que son realmente inquietos: equipos de sonido locos o cosas que se cayeron mientras filmamos las escenas de posesión. Era extraño y desconcertante.
Veo «fantasmas» cuando veo el rostro de mi difunto padre en un extraño.
Visage fue una gran parte de nosotros escribiendo una película. Descubrí que era una de las cosas más bellas del dolor, ya sea que veas a un pariente o un amigo que has perdido. Cuando alguien tiene la misma risa o cejas, o lo que sea, las formas en que lo buscamos y lo recreamos, o tratamos de aferrarnos a alguien que hemos perdido, esos recordatorios fueron una gran parte de cómo se nos ocurrió nuestra versión de posesión en la película. También había algo claramente gótico sobre el retornoing a Nueva Zelanda y hacer una película en ese paisaje.
«Subió la colina» | Dirigido por Samuel Van Grinsven | Apertura el 15 de agosto en el Centro IFC | Distribuido por Greenwich Entertainment.
