En el drama absurdo audaz, fabuloso y extraño, «Kill the Jockey», Reno (el actor gay Nahuel Pérez Biscayart), un jinete, una vez exitoso jockey, está presionado para ganar carreras para Sirena (Daniel Giménez Cacho), un mafioso. La novia de Reno, Abril (úrsula Corberó), otro jockey, está embarazada, pero a menudo está coqueteando con Ana (Mariana di Girólamo), otro jinete. Después de que Reno tiene un accidente durante una carrera, va «desaparecido». Se ha reinventado a sí mismo como Dolores. Mientras tanto, Abril y Sirena intentan encontrarlo.
Sin embargo, esta trama es simplemente un marco para que el director Luis Ortega cuelgue una serie de secuencias tremendamente surrealistas, inventivas y poco convencionales que incluyen un par de fantásticas escenas de baile a Dolores literalmente trepando las paredes en una celda de la prisión. Pérez Biscayart ofrece un rendimiento sensacional, hablando muy pocas palabras pero haciendo un trabajo físico increíble. El actor conversó con las noticias de Gay City sobre hacer «Kill the Jockey».
¿Cómo te acercaste a tocar Remo, quién quiere «morir para vivir de nuevo»?
Remo/Dolores son muchos seres dentro de un ser, que es un poco como de lo que estamos todo: una multiplicidad de identidades y seres. No me acerqué al personaje como un personaje. Me acerqué a toda la película como un movimiento, como una trayectoria, como algo que no estaba destinado a ser estable o definido. Tal vez la forma en que lo abordé era más como la música o el baile.
Remo era un personaje «floreciente». La película trata sobre el renacimiento. Creo que la transformación comienza cuando cae del entrepiso, lo que se produce después de que se le dice que tiene que morir y nacer de nuevo. Él viene del barro como la flor del loto en cierto modo, muy turbio. Nadie sabe lo que quiere, o por qué hace lo que hace. Después de que ocurre el accidente, todo se libera. La idea de la tragedia está invertida; Lo que podría ser trágico para él es un lanzamiento. Remo va hacia el lado femenino donde Dolores es maternidad. En la prisión, Dolores se preocupa por otras personas, que es una forma de cuidar a sí misma. Para que Remo nazca de nuevo, tiene que pasar por todos los diferentes comportamientos y actitudes que tenemos en la vida.
¿Puedes hablar de jugar a Dolores?
Cuando pasas tiempo probando pelucas, extensiones, disfraces y faldas, y zapatos, en cierto modo, estás ensayando, y estás tratando de encontrar a tu propia mujer. Pero Dolores no era algo que ensayé, o una mujer que estaba tratando de «encontrar». Era muy suave y orgánico. Luis dijo que nunca tuve que «jugar a una mujer» o «jugar drag»; Se trataba de «ser». Estaba dejando que esta ternura y brillo se encendieran en Remo de una manera dulce y sutil. No se trataba del tono de su voz u otras cosas que podríamos fabricar. La estaba encarnando más. No siento que esta película se trata de la transición de Remo; Se trataba de identidad y libertad. Todos los demás personajes no reaccionan mucho al hecho de que Remo ahora es (presentando) una mujer. Él era un jinete famoso, y simplemente le dicen que es hermosa y bonita sin preguntar «¿Qué te pasó?» La película abarca la evolución del personaje de una manera delicada. No creemos que haya decidido ser mujer. Es la deriva natural del personaje.
La película tiene muchos momentos que simplemente aceptas. Esa es su magia. Simplemente recalibra cada escena y quieres ver qué pasa después.
Es como si la película se moviera más rápido que sus percepciones.
Abril se vuelve íntimo con Ana, Sirena besa a Remo durante una subasta, y hay escenas homoeróticas como una en las que Sirena aborda cinco jinetes desnudos en una sauna. ¿Qué puedes decir sobre todo el contenido queer? ¿Es todo esto para «queer» la historia y mostrar cómo puede ser la vida si nos desconectamos, como lo hace Remo, y rechaza las reglas de la sociedad?
Dijiste algo sobre escapar de las normas o las reglas. Esta idea de las carreras de caballos se está ejecutando en círculos, y el accidente de Remo lo saca de ese camino, que es una metáfora de la vida de Remo, en el buen sentido. El género es una prisión violenta y opresiva. Algunos sufren más que otros. Incluso aquellos en heteronormatividad, la incorporación de masculinidad tóxica impone violencia. La verdadera liberación podría estar adoptando la «rareza» o la libertad de identidad y pensar en la identidad como un verbo en lugar de un sustantivo, todas esas cosas que son difíciles de lograr. Todo el sistema se basa en esta estructura injusta injusta en torno al género. Tenemos que estar alertas a eso, para que no caigamos en esas trampas. Esta película es una invitación para eso. No es una película que indique o proscribe cosas. Está planteando preguntas para que te pierdas. Debes encontrar tu propio camino con la película y dentro de tu propia percepción. La película está tratando de provocar eso en el espectador.
¿Te reuniste con jinetes o caballos de carreras de tren para el papel?
Entrené con un jinete, que es diferente de la equitación porque tu trasero no toca el caballo. Tienes que estar flexionando. Es extremadamente agotador. Tus muslos ardenan tanto. Pasar tiempo con jinetes, oler el caballo, sentir qué músculos se queman y dolor, eso configura cómo caminas. Estas cosas se impregnan en su cuerpo, y eso juega un papel durante el tiro. Entrené dos semanas antes de disparar. Me puse bastante bien, galopando y flexionando el caballo y girando. Pero, por supuesto, nunca te pones a la velocidad que obtienen los jinetes, 70-78 kilómetros por hora. Son como adictos a la adrenalina. Son locos, traviesos y traviesos.
¡Sospecho que eres un poco así, Nahuel!
Soy un poco jockey en la vida real sin montar caballos. (Risas)
La película puede leerse como una alegoría, un tratado existencial sobre la identidad, o posiblemente, no tiene sentido. ¿Qué piensas sobre el mensaje de la película?
El hecho de que esté mencionando preguntas en torno al mensaje de la película es algo bueno. No me gustan los mensajes. Me gustan las películas donde pierdo la noción de tiempo, identidad, mal y bien. Me permiten como espectador participar activamente en la película. Ese es el mismo enfoque que Luis adopta, y está en el tema de la película, que se trata de perder la identidad y dudar y cuestionar todo lo que es esta ficción humana que todos construimos. No hay mensaje. Cualquiera puede hacer su propia lectura de la película. Esta película crea un espacio para que el espectador haga su propio viaje. ¿Por qué estamos tan obsesionados con la trama cuando nuestras vidas son tan multicapa? Quiero más complejidad, por lo que mi vida se enriquece.
«Mata al jockey» | Dirigido por Luis Ortega | Apertura el 2 de julio en el foro de cine | Distribuido por Music Box Films.
