En el resumen musical de este mes, Noticias EGF repasa los lanzamientos de archivo de dos íconos fallecidos de la música queer: el cantante de disco gay Sylvester y el productor electrónico de vanguardia SOPHIE.
SOPHIE | s/t | Clásico del futuro | 27 de septiembre
Después de hacer pública su transición en 2017 y lanzar su primer álbum de estudio, “Oil of Every Pearl’s Un-Insides”, SOPHIE parecía estar apenas empezando. Su muerte en 2021 fue un shock total, especialmente porque se había convertido en una de las mujeres trans más prominentes e influyentes en la historia de la música. Produjo canciones de Madonna y Vince Staples y fue pionera del hiperpop con su propia música. Los fanáticos de “Brat” de Charli XCX le deben a ella la dirección actual de Charli, que comenzó cuando SOPHIE produjo su EP “Vroom Vrrom” en 2016. (Charli rindió homenaje a SOPHIE con “So I”). “Unholy” de Sam Smith y Kim Petras encabezó las listas con una versión bastarda de su sonido.
Como muchos artistas que se convierten en íconos, dejó un pequeño trabajo: la recopilación de sencillos “Product”, “Oil of Every Pearl’s Un-Insides” y una serie de remixes de la misma. En casos como este, la industria musical generalmente interviene y produce álbum tras álbum con los restos que puede desenterrar. Ese no es el caso del álbum póstumo de SOPHIE. Si bien incluye nuevas mezclas de algunas canciones filtradas hace años, es un intento serio de terminar su segundo álbum como ella lo hubiera hecho, presentando canciones que estaban casi terminadas. Su hermano y colaborador de larga data, Benny Long, lo coprodujo.
Al igual que “Oil of Every Pearl’s Un-Insides”, “SOPHIE” tiene una secuencia extraña, pero como este álbum es mucho más largo, eso daña su impulso. Las primeras canciones de “SOPHIE” son sobrias y austeras. La instrumental “Intro (The Full Horror)” reduce la banda sonora de una película orquestal a un terror primario. “Rawwwwww” coloca el rap cantado de Jozzy sobre un ritmo minimalista que hace vibrar los altavoces, con nada más que voces y percusión. Durante “The Dome’s Protection”, la DJ rusa Nina Kraviz describe un mundo distópico sobre un fondo que aúlla suavemente, como si estuviera perdida en una tormenta de nieve: “la conciencia es algo muy raro y precioso”. “SOPHIE” la sigue con la popper “Reason Why”, que podría ser un éxito del top 40. La música dance deformada de “One More Time” deconstruye el género sin ninguna ironía. “Live In My Truth” es igualmente alegre y sincera: “Quiero vivir en mi vida, en mi verdad”. Sin embargo, el flujo de estas canciones accesibles se ve interrumpido por “Do You Wanna Be Alive” y “Elegance”. Esta última pasa por varios cambios de ritmo, con énfasis en tambores rápidos, incluso marciales.
Teniendo en cuenta todos los cambios que sufre “SOPHIE”, es difícil escuchar el álbum entero de una sola vez. Sin contener ninguna canción mala, su presentación no resalta su fuerza. Incluso si esto fuera en contra de las intenciones del proyecto, podría ser más accesible dividirlo en dos álbumes cortos, reflejando un sonido diferente.
¿La muerte de SOPHIE provocó la ausencia de su voz en “SOPHIE”? La dependencia de invitados y la ausencia de sus propias letras hacen que uno se pregunte qué podría haber escrito sobre sus experiencias en los últimos dos años de su vida. Aunque una vocalista invitada participa en todas las canciones excepto en “Intro (The Full Horror)”, es tan probable que reciten sus letras o repitan una palabra durante toda la canción como que canten.
Este álbum regresa al mundo de ciencia ficción creado por el diseño de sonido de SOPHIE. La mayoría de las melodías provienen de simulaciones sintetizadas de campanas y xilófonos. Los teclados de “Plunging Asymptote” se asemejan a una guitarra distorsionada. SOPHIE comparó su producción con una escultura; incluso en sus partes más duras, sus texturas se sentían tambaleantes y gomosas. Procesó la voz humana de manera similar. Las voces de sus cantantes invitados están tratadas de tal manera que es imposible atribuirlas a un binario de género, pero su melisma exuda placer orgásmico.
Como sonido final del trabajo de SOPHIE, “Love Me Off Earth” deja que la música house se descomponga en tambores individuales, chisporroteando. Las imágenes transhumanistas y de ciencia ficción que recorren “Oil of Every Pearl’s Un-Insides” persisten, dejando que los “niños y niñas inmateriales” hablen. Escuchar estas canciones después de la muerte de SOPHIE (¿puede alguien escuchar “Intro (The Full Horror)” sin imaginársela?) hace que el futuro que imaginan sea mucho más conmovedor.
Sylvester | “En vivo en la Ópera” | Grabaciones artesanales
“Live at the Opera House” captura a Sylvester en la cima de su carrera. Grabado el 11 de marzo de 1979, llega un año después de que se convirtiera en uno de los pocos hombres homosexuales declarados en conseguir un éxito durante los años 70 con “You Make Me Feel Mighty Real”. Debutando a principios de los años 70, Sylvester probó varios estilos: sus dos primeros álbumes mostraron sus versiones de canciones de James Taylor y Neil Young, mezclando R&B y glam-rock. Cuando llegó la música disco, finalmente alcanzó el estrellato. San Francisco declaró el día de este concierto como el “Día de Sylvester”, pero la reacción negativa a “Disco Sucks” hizo que su carrera se desplomara rápidamente. El puro calor y sentimiento de “Live at the Opera House” desmiente las críticas de los años 70 de que el género era frío y robótico. Se puede escuchar el sudor cayendo del escenario.
Fantasy Records lanzó parte de este conjunto como el álbum de 1979 “Living Proof”, acortando las canciones y completando el lado cuatro con nuevas interpretaciones en estudio. “Live at the Opera House” incluye los 128 minutos completos, incluso las bromas entre canciones. (En el toque definitivo de los años 70, interpretó el concierto durante un viaje de ácido suavizado por Quaaludes). Una colección prematura de grandes éxitos, incluye todo su rango, desde baladas de piano («Medley #2: Could It Be Magic/A Song For You») hasta disco de ritmo rápido («Dance (Disco Heat», «Never Can Say Goodbye»). Interpretar versiones fue una forma de reinterpretación: el punto culminante del álbum es su versión de «Blackbird» de los Beatles. Sylvester se apropia de la oda de Paul McCartney al movimiento de los derechos civiles desde dentro. Se convierte en una celebración exuberante del poder de la homosexualidad negra desvergonzada, enfatizando la línea «toda tu vida, solo estabas esperando este momento para ser libre». Recibió la llave de la ciudad inmediatamente después de la canción.
Sylvester, que toca con una orquesta de 26 músicos (que interpretan un popurrí de tres de sus éxitos como obertura, interpretado dos veces), alargó sus canciones: cinco seguidas, todas en el top 10 de minutos. Los percusionistas incansables impulsan la música hacia adelante, con cencerros que añaden un toque latino. El toque electrónico que el productor/tecladista Patrick Cowley le dio a algunos de sus álbumes de estudio ha desaparecido. La voz de Sylvester era asertiva pero nunca autoritaria: incluso en las canciones largas y lentas, el álbum enfatiza el drama, con un constante llamado y respuesta con cantantes femeninas. “You Make Me Feel (Mighty Real)” se amplía a 15 minutos. No se trata de material introductorio: es una grabación completa de un concierto, en lugar de un álbum diseñado para escuchar en casa de manera informal. En la transmisión, los outros hablados de Sylvester deberían haber sido secuenciados como pistas individuales.
A pesar del tono optimista del concierto, con “Sharing Something Perfect Between Ourselves” dedicado a su pareja, se produjo en un contexto de creciente homofobia, con Anita Bryant criticando los derechos civiles de las personas LGBTQ y Harvey Milk asesinado apenas unos meses antes. Incluso cuando la letra no aborda directamente la política, “Live at the Opera House” es un acto de resistencia.
