Filmada en el norte del estado de Nueva York en apenas 12 días, la ópera prima de India Donaldson, “Good One”, narra un viaje de campamento que emprende una adolescente homosexual, Sam (Lily Collias), con su padre Chris (James LeGros) y su amigo Matt (Danny McCarthy). Desde el principio, la situación es tensa e incómoda. Sam se ocupa de las necesidades prácticas de la caminata, como llenar botellas de agua, y se comunica con su novia por mensajes de texto, mientras que Chris y Matt se pierden en una conversación interminable. Su conexión se desgasta y Matt se revela como un actor amargado y profundamente infeliz cuya carrera está tambaleándose (describe cómo lo despidieron de un trabajo de ventas en circunstancias que sugieren una conducta sexual inapropiada). El relativo silencio de Sam es sorprendente, porque las bromas de Matt solo lo hunden aún más y revelan cuán frágil es realmente su amistad con Chris. Si bien olvidó empacar su saco de dormir, sí recordó empacar alcohol. La película genera tensión alternando conversaciones y pasajes largos y tranquilos. Con una sola línea, el nerviosismo que recorre “Good One” finalmente llega a un punto crítico, lo que lleva a Sam a darse cuenta de lo mucho que los hombres pueden traicionarla. Donaldson muestra un dominio de la dinámica, utilizando imágenes de la naturaleza para resaltar una belleza solitaria. Es un sorprendente drama sobre el paso de la infancia a la adultez que toca el tema de una sutil alienación que las chicas queer pueden sentir de sus padres. Noticias EGF habló con Donaldson una semana antes del estreno de “Good One”.
El drama de “Good One” gira en torno a una sola línea y una sola escena. ¿Cuánto tiempo ensayaste y cuántas tomas hiciste?
Fue la última vez que filmamos. No hicimos ningún ensayo formal, pero todo el rodaje fue nuestra preparación para ello. La primera parte de que pudiéramos ejecutar esa escena de manera eficiente fue que la filmamos al final, y que los actores y todo el equipo tuvieron tiempo para conocerse y encontrar el ritmo de todo. No hicimos ningún ensayo, pero los actores se prepararon mucho. Hay un montón de diálogo, especialmente para esos dos tipos. La escena toma algunos giros diferentes en cuanto al tono. En realidad la filmamos durante dos noches, así que filmamos otras cosas durante el día, luego cuatro o cinco horas por la noche, ya que perdíamos la luz. Toda la escena tiene 13 minutos cortados juntos, pero nunca la filmamos de principio a fin. No hicimos más de tres tomas. Los actores estaban realmente concentrados. La iluminación fue la parte más complicada, junto con la gradación de color.
¿Cómo crees que la dinámica entre Sam, su padre y Matt se ve afectada por el hecho de que ella sea queer?
Es algo totalmente integral y también un hecho de su vida e identidad. Independientemente de su sexualidad, las cosas se desarrollarían de la misma manera. Hay una escena al principio en la que Matt le dice a su padre: «Tienes suerte de que le gusten las chicas», como si dijera que «los hombres son asquerosos». Está sugiriendo que su sexualidad la protege de los avances no deseados de los hombres. Estaba tratando de hablar de una experiencia universal de la niñez y la dinámica que se desarrolla entre padre e hija. Hay tantos aspectos de su vida con los que su padre no puede conectar, y es una parte de eso: su apertura, su capacidad para escuchar y comunicarse. Su padre no puede entenderse del todo con ella en estas cosas para que se entiendan.
Cuando te acercaste a los actores masculinos, ¿ellos tendían a ser receptivos a las críticas que la película hace sobre sus personajes?
Por supuesto. Como actores, les interesan todos los matices del ser humano. Intenté abordar la escritura de estos personajes con empatía hacia ellos. Estos tipos no juzgaban a sus personajes ni siquiera cuando se comportaban mal. Para mí, eso es muy importante. Se sintieron atraídos por los matices de interpretar a personas que no siempre dicen o hacen lo correcto.
Con un rodaje tan corto y el hecho de que todo se hizo al aire libre, ¿hubo periodos en los que la naturaleza tomó el control de la producción?
Todos los días había un momento de eso, a veces durante períodos más largos. Tuvimos que aceptar la lluvia e incorporarla a la historia. Perdimos casi un día entero de rodaje debido a una tormenta eléctrica y no pudimos salir. Éramos un equipo pequeño y aprovechamos al máximo el tiempo incluso cuando lo estábamos perdiendo. Por ejemplo, durante la tormenta, montamos tiendas de campaña en el porche del Airbnb donde nos alojamos y filmamos a los actores dentro de ellas. Siempre intentamos capturar algo en lugar de esperar, porque no teníamos el lujo de agregar días al rodaje. El elenco y el equipo tuvieron que lidiar con controles constantes de garrapatas. El mundo natural estuvo muy presente en nuestras experiencias.
En las películas de terror hay un cliché en el que la gente que vive en la ciudad sale al bosque y se encuentra en peligro. “Good One” me recordó a “El proyecto de la bruja de Blair”, aunque no es una película de terror. ¿Era algo en lo que estabas pensando?
Tengo un recuerdo muy vívido de cuando vi «El proyecto de la bruja de Blair» en el cine cuando se estrenó. Mi hermano menor me presentó películas de terror que de otra manera no habría visto cuando era muy joven, a los ocho o nueve años. «El proyecto de la bruja de Blair» fue una experiencia muy envolvente, en la que me sentí realmente atraída por los personajes y todo lo que sucede. No estaba pensando específicamente en esa película ni en los tropos del terror, pero culturalmente están arraigados en mí como amante del cine. Hay una razón por la que los bosques dan miedo. Pierdes el control sobre tantas cosas. Parece que puedes ver todo y nada en absoluto.
¿Querías crear una sensación de amenaza a partir del aislamiento de los personajes?
Estaba pensando en los viajes por carretera a zonas silvestres y en las excursiones con mochila. No estar cerca de servicios o de señal de telefonía móvil, tener que renunciar a las comodidades y al acceso a la información y la comunicación, es inherentemente amenazante para las personas que han vivido la mayor parte de su vida en la ciudad. También estaba pensando en una claustrofobia contraintuitiva. Vas a la ruta, pero no hay una salida fácil.
Es raro ver a adolescentes interpretados por personajes de su misma edad. ¿Eso fue parte del proceso de selección de Lily?
Definitivamente. Realmente quería que la actriz tuviera una proximidad con ese momento de su vida. No podíamos permitirnos filmar con una menor de edad, así que esperamos un año para trabajar con ella. Se graduó de la escuela secundaria y dos semanas después estábamos filmando. Ella estaba exactamente en ese momento de su vida. Me interesaba lo que alguien que estaba pasando por esa transición en su propia vida aportaría a ese personaje, en lugar de elegir a una actriz de poco más de 20 años que pudiera hacerse pasar por una adolescente.
La música tiene una cualidad extraña, en la que hay partes que suenan como una interpretación del agua corriendo o de campanas. También hay largos pasajes de silencio o simplemente el sonido de la naturaleza. ¿Hablas con la compositora Celia Hollander sobre la integración de estos?
Celia es una mochilera y excursionista muy entusiasta. Compuso la mayor parte de la música mientras vivía en la zona donde filmamos. Fue una coincidencia, pero pensamos en lo que la música aportaría conceptualmente. La textura del mundo natural era lo que más le preocupaba. Yo quería que hubiera una conversación entre la música y el diseño de sonido.
Después de hacer varios cortos, ¿cuánto tiempo te llevó conseguir el dinero de producción para “Good One”?
Se siente muy largo y corto al mismo tiempo. Durante años, había estado tratando de hacer una película diferente, pero no podía reunir el dinero. Luego llegó el COVID y sentí que «Dios mío, es mucho más difícil hacer una película independiente». Todos estos desafíos se sumaron. Escribí esta película para que fuera una que pudiera hacer con una pequeña cantidad de dinero. Así fue como me acerqué a mis productores. Les dije: «Cualquiera que sea el presupuesto final, quería mantenerlo pequeño para poder hacerla y no tener que esperar años». Puse mucho esfuerzo en eso cuando la escribí. Nunca tuvimos suficiente dinero. Cuando llegamos a Sundance, todavía no lo teníamos. Cada fase fue un desafío.
¿Aún estás intentando producir el proyecto más grande?
Algún día me gustaría hacerlo. Terminamos “Good One” a fines de junio del año pasado. No he tenido la oportunidad de pensar más allá de eso, pero espero poder hacer otro. Me gustaría volver a hacerlo.
Mientras ha recorrido festivales con la película, ¿ha escuchado de mujeres que hayan tenido relaciones similares con sus padres?
Sí. Es muy gratificante ver que les ha resultado familiar. Pero también es significativo escuchar a padres, hombres con hijos adultos, decir que les ha resultado familiar. Eso fue inesperado.
Parece que estamos viviendo una época difícil para hacer películas independientes. ¿Cuál sería para ti el presupuesto ideal o la participación de los estudios?
Para mí, cada proyecto tiene sus propias necesidades. Quiero que sea sostenible, para poder mantenerme y pagar a mis colaboradores. Todos los que se unieron para ganar este dinero merecen que se les pague más. Es un trabajo duro e intenso. Me gustaría hacer una película con más recursos, para que la gente pueda cobrar lo suficiente. Pero es bueno conservar la libertad creativa y no tener la presión de presupuestos enormes. Me encantaría hacer otra película pequeña también. La intimidad del proceso me resultó satisfactoria. Estoy abierto a todo.
