La nueva película del cineasta gay Karim Aïnouz, “Rosebush Pruning”, es una deliciosa comedia negra sobre una familia rica y disfuncional. Ed (Callum Turner), que vive en España con su padre y sus hermanos, de repente tiene ganas de ver a George, un griego que conoció recientemente, desnudo. Pero dejar a su familia es difícil; La madre de Ed (Pamela Anderson) ha muerto y su padre (Tracy Letts) es ciego. Además, Ed, junto con su hermana Anna (Riley Keough) y su hermano Robert (Lukas Gage) son “egoístas vagos, mediocres y insípidos”, lo que deja a su hermano Jack (Jamie Bell) a cargo principalmente de la familia. Pero Jack quiere mudarse con su novia Martha (Elle Fanning). Cuando Ed hace un descubrimiento sorprendente, podría alterar los planes de todos.
Trabajando a partir de un guión de Efthimis Filippou y basado en la película de Marco Bellocchio, “Los puños en el bolsillo”, Aïnouz presenta un mundo que oscila entre la realidad y el surrealismo mientras todos los personajes cuidan de sí mismos. Llena de colores vivos, cortesía de la deslumbrante cinematografía de Hélène Louvart, y con algunos momentos fabulosamente escandalosos, “Rosebush Pruning” trata sobre gente rica y hermosa que se comporta muy, muy mal.
Aïnouz habló con Noticias EGF sobre la realización de su alegre y traviesa película.
Karim, ¿con qué personaje te identificas en “Poda de rosal” y por qué?
(Risas.) ¡Esa es una pregunta descabellada, Gary! No lo hago, porque los personajes están muy lejos de mi vida diaria. Pero siento cierto tipo de empatía por ellos de diferentes maneras. Amo a Martha por su fuerte voluntad de resistir y su sentido de venganza. Hay algo hermoso en ella. Ella es una outsider que ha venido a ajustar cuentas. Al mismo tiempo, me conmueve la vulnerabilidad de Robert y Anna. Son una especie de niños dañados que nunca han crecido. También amo a la madre. Hay algo que se siente realmente emocionante, fresco y un poco extraño en ella que realmente aprecio. La gente me ha preguntado: ¿Cómo podemos relacionarnos con los personajes? A excepción del padre, me gustan muchos de ellos y me conmueven a pesar de que no son personas agradables. Es como si no tuvieran superyó ni filtro.
Hay algunos momentos maravillosamente absurdos en la película, pero también algunas escenas bastante impactantes. ¿Cómo encontraste el tono para esta historia?
Fue un proceso continuo. Quería darle vida a lo que había en la página de una manera que pudieras identificarte con los personajes. La escritura los mantiene a distancia. Creo que el tono fue la cuestión clave al hacer esta película. No puede hacer frío. Los personajes debían tener corazones humanos reales, y no sólo ser portavoces. El tono fue algo que elaboramos durante los ensayos. Para la escena en la que Anna habla con Martha sobre su padre, la pregunta fue: ¿cómo puedes mantenerla artificial y creíble? Ese fue el mayor desafío a la hora de encontrar el tono: no burlarse de los personajes, pero, al mismo tiempo, tener algo ahí que no sea real. La película siempre navega entre lo real, lo irreal y lo surrealista. Fue descubrir los tonos de gris entre lo artificial y lo real.
La película tiene momentos que son escandalosos, pero gran parte del sexo y parte de la violencia no son muy explícitos y en su mayor parte se dejan a la imaginación. ¿Puedes hablar sobre tus decisiones al presentar esas escenas?
Esta película viene inmediatamente después de mi película “Motel Destino”, que fue muy explícita sexualmente. Quería asumir el desafío de contar sin mostrar. Había muchas posibilidades, pero también una pregunta, particularmente en la escena de abuso de la película, que es realmente clave para la historia: ¿cómo se escenifica la violencia? Aquí se trata de violencia sexual. Me interesaba mucho sugerir más que mostrar, desencadenar la imaginación del espectador. Hay muchos momentos en la película en los que no sabes si fue real o no. En el momento que lo muestras deja de ser posible y es muy realista. ¿Cómo puedo sugerir a través del sonido? Además, era importante que la película no tuviera clasificación R. No quería alienar a los espectadores con escenas de sexo explícitas. Con “Motel Destino” aprendí que a la gente no le gusta ver escenas de sexo explícitas o no quieren verlas en el cine.
El aspecto de la película es absolutamente impresionante con la magnífica fotografía de Hélène Louvart. Los colores simplemente resaltan. ¿Cuál fue tu estrategia visual aquí?
Me inspiré en los tonos tecnicolor utilizados en el melodrama clásico americano de los años cincuenta. Se trata de una saga familiar con toques de thriller y surrealismo. Admiro la belleza clásica que emana de la apariencia de esos melodramas. Era una forma interesante de jugar contra la corriente. Hay algo tan oscuro aquí que el uso de colores podría iluminar la historia o llevar las cosas a un lugar de fantasía. Hay algo exagerado tanto en las escenas de juego como en la apariencia y el sonido de la película. Queríamos tener colores saturados y un mundo elevado de la realidad. Los colores ayudaron a crear la sensación de algo irreal. No es una manera naturalista de mirar el mundo, sino una manera construida de mirar el mundo. También era una cuestión de suavidad en la blancura: no sólo la blancura de la familia, sino también la iluminación, que era intuitiva en nuestras mentes. Hay una sensación de armonía a través de los colores que se opone a la falta de armonía entre los personajes y la historia misma.
¿Puedes hablar sobre cómo crear la dinámica familiar? Hay una intimidad que es a la vez atractiva y perturbadora.
Estos son niños que han estado completamente protegidos y aislados. La dinámica familiar se basó en lo infantiles que eran y en su falta de sentido de subjetividad. La rivalidad y envidia entre los hermanos es muy mundana pero también retorcida. La dinámica se fraguó con la mentira, que es el mortero de determinadas familias. Esto me ha estado persiguiendo en la mayoría de mis películas, y en “Rosebush Pruning” era importante descubrir cómo se relacionan estas personas entre sí. Hay muchas discusiones, pero no quería perder la sensación de ternura. Estos no son monstruos. La gente dice que son disfuncionales u horribles, pero los hermanos están muy dañados y algunos logran salir de ello y otros quedan atrapados.
¿Qué mensaje quiere que los espectadores se lleven de “Rosebush Poning”?
No soy un gran admirador de descifrar cosas, pero el tema más importante para mí fue esta confluencia de riqueza, privilegios, blancura y patriarcado. Es un caldo de cultivo para el veneno. El padre lo expulsa. Es una crónica de los días en que vivimos, con la riqueza acumulada en manos de unos pocos hombres poderosos. Pero también quería aportar a la narración una sensación de absurdo. Cuando lees las noticias y ves lo que está sucediendo en el mundo, lo miras con un sentido de ironía. Casi no podemos hablar de estas cosas. “Rosebush Pruning” es una película sobre el abuso que ocurre dentro del espacio doméstico y cómo ese abuso se vuelve exponencialmente más tóxico cuando está en manos de hombres ricos muy poderosos. Pero más allá de todo esto, quería hacer una película que fuera entretenida, divertida, crítica y emocionante y que tuviera un atractivo más allá de ese tema.
“Poda de rosales” | Dirigida por Karim Aïnouz | Inauguración el 24 de julio en el Angelika Film Center | Distribuido por MUBI
