Mi experiencia en el Festival de Cine de Nueva York 2024 (NYFF) fue inusual. Para ser totalmente sincero, problemas de salud me impidieron asistir en persona a la mayoría de las proyecciones de prensa del NYFF. Dado que los distribuidores más importantes controlan estrictamente el acceso a sus películas, mi experiencia giró en torno a la sección experimental Currents.
Un problema de larga data con el festival es que su programación principal consiste en un avance de los estrenos de cine independiente de Nueva York de los próximos seis meses, sin importar lo buenas que puedan ser las películas. (Este año, comienza con la adaptación de Colson Whitehead de RaMell Ross, “Nickel Boys”, y cierra con “Blitz” de Steve McQueen. También incluye “Misericordia” del director gay Alain Guiraudie y la historia de amor queer vietnamita “Viet and Nam”). Así que no pude ver un avance de tres de las películas de temática LGBTQ más destacadas de este año: el musical trans “Emilia Perez” de Jacques Audiard, la adaptación de William S. Burroughs “Queer” del director gay Luca Guadagnino y un documental sobre Elton John hecho por su esposo, pero sí pude ver muchas de las películas descaradamente poco comerciales en Currents, que incluyen un homenaje al icónico autor queer James Baldwin y un documental sobre la naturaleza del cineasta francés gay Pierre Creton. La sección Renacimiento incluye dos largometrajes extremadamente diferentes realizados por hombres homosexuales: el melodrama de 1980 del director filipino Lino Brocka, “Bona” (que se estrena en Estados Unidos en diciembre) y el clásico de terror de Clive Barker, “Hellraiser”.
Los dramas de Pedro Almodóvar pueden ser un poco demasiado maduros para su propio bien, pero “La habitación de al lado” evita la mayoría de los impulsos más serios del español gay, al tiempo que se mantiene bastante comedido. Como un par de amigas que se guían mutuamente hacia el final de la vida, Julianne Moore y Tilda Swinton ofrecen actuaciones completamente vividas. La trama, y la actitud de Almodóvar hacia ella, puede ser difícil de describir sin caer en clichés. Uno de los personajes secundarios es un agorero nihilista, pero “La habitación de al lado”, adaptada de la novela de la autora queer Sigird Nunez, “¿Qué estás pasando?”, evita tal actitud al aceptar la vida solo en sus propios términos. Mientras firma su libro en Rizzoli, Ingrid (Moore) se entera de que su vieja amiga Martha (Swinton), una ex corresponsal de guerra, está luchando contra un cáncer terminal. A pesar de que se distanciaron hace años, Ingrid visita a Martha en el hospital y se vuelven más cercanas que nunca. Martha insiste en que ya no puede soportar más dolor y planea suicidarse con una pastilla que compró en la red oscura. Ingrid la acompaña a un Airbnb, donde planean pasar las últimas semanas de Martha juntas.
La ropa y la decoración de “La habitación de al lado” son impecablemente modernas. Incluso la sala de oncología parece sacada de una revista de moda de lujo. En contraste con esta paleta de colores brillantes, el declive de Martha es aún más notorio. La película comete algunos errores. Al principio se apoya demasiado en flashbacks. Una escena en la que un policía arrogante y conservador interroga a una de las mujeres solo sirve como una fanfarronería de Almodóvar a favor del derecho a la eutanasia. El resto del tiempo, Almodóvar retoma sus ideas sobre el envejecimiento donde las dejó en su último largometraje, “Dolor y gloria”. Allí, Antonio Banderas hizo de doble del director; aquí, Martha está mucho más avanzada en el camino hacia el final de su vida, pero las preocupaciones son muy similares. Dada esta historia, “La habitación de al lado” está lejos de ser deprimente; insiste en la importancia de la amistad como protección contra la crueldad de la vida.
El título informal de “Jimmy”, de Yashaddai Owens, es una señal de que la película no será una película biográfica típica. Sigue a James Baldwin durante un breve período en el que abandonó los EE. UU. para vivir en Estambul y París; el período de tiempo no está claro. Owens, que también trabaja como fotógrafo, adopta un enfoque impresionista. Para las escenas en Estambul, la cámara representa el punto de vista de Baldwin (Benny O. Arthur), mientras deambula por la ciudad.
Cuando llega a París, la película muestra por fin su rostro y su voz por primera vez. Se da poco énfasis al diálogo; en cambio, la fotografía en 16 mm de Owens y la banda sonora de Paco Andreo, que mezcla sonidos orquestales y de jazz, son participantes activos de la experiencia de Baldwin. Sintiéndose liberado del racismo estadounidense por primera vez, baila por las calles de París y persigue juguetonamente a un hombre por su edificio de apartamentos antes de acostarse con él. La fotografía en blanco y negro de Owens encuentra una amplia variedad de luz y color en sus imágenes, lo que parece un punto político además de estético. Es emocionante ver un enfoque tan reflexivo de la serie típicamente aburrida de películas sobre grandes artistas. Esto es exactamente lo opuesto a la carnada para los Oscar.
La película de Truong Minh Quy, “Viet and Nam”, avanza a un ritmo narcótico y exige mucha paciencia, pero no la recompensa. La película, que ya ha sido prohibida en Vietnam, trata sobre la vida de unos mineros de carbón que encuentran un espacio en lo profundo de su lugar de trabajo para tener relaciones sexuales. En la película no se les nombra, pero aparecen en los créditos como Viet (Dao Duy Bao Dinh) y Nam (Phan Thanh Hai). Ambientada en 2001, la película trata sobre el impacto a largo plazo de la guerra de Vietnam: Nam y su madre están atormentados por la desaparición de su padre, un soldado durante los años 70. Viajan a la frontera de Camboya para buscar pruebas de su cadáver. Ante la presión de casarse con mujeres y criar hijos, Viet y Nam deben mantener su relación en secreto. “Viet and Nam” simula la experiencia de perder gradualmente la capacidad de concentración mientras se ve una película a altas horas de la noche. La oscura y melancólica fotografía en 16 mm muestra el ojo de Truong para encuadrar el polvo y la oscuridad, pero en general, su estilo se acerca mucho a una imitación directa del director tailandés gay Apichatpong Weerasethakul. La película es más impactante cuando Viet y Nam encuentran el amor en medio de los efectos materiales del trabajo en las minas, como cuando uno limpia su semen del cuerpo desnudo de su pareja.
“You Burn Me” es una combinación improbable de erudición y deseo. Dado que todos los poemas de la autora griega Safo, menos uno, han sobrevivido en forma fragmentaria (el título proviene de uno de ellos), la película del director argentino gay Matías Piñeiro reúne una mezcla similar de fragmentos. Casi pide notas a pie de página. Sus orígenes se encuentran en un capítulo de la novela de Cesare Pavese “Diálogos con Leico”, una conversación de cuatro páginas entre Safo (de quien proviene la palabra “sáfica” y el concepto de lesbianismo) y la ninfa Britomart llamada “El mar de espuma”. Piñeiro llena “You Burn Me” con imágenes del mar, incluso remontándose a la espuma bacteriana que se convirtió en la primera forma de vida en la Tierra. (La cinematografía de 16 mm tiene una rica textura).
En lugar de adaptar “El mar de espuma” de una manera sencilla, adopta una forma que es igualmente poética y misteriosa. Comienza reconociendo su propia necesidad de filmar la historia, utilizando imágenes repetidas (una mano que alcanza el timbre de un apartamento, agua corriendo en un fregadero) como motivos rítmicos. “Me quemas” está obsesionada por el suicidio: el de los personajes de la novela de Pavese y el final de la propia vida del escritor. Sin embargo, reimagina el cine, mezclando varios medios y poniendo en primer plano los problemas de la traducción, para hacer justicia a los logros de Safo. Aunque un poco opaca en un solo visionado, es estimulante a la manera de las últimas películas de Jean-Luc Godard, animando a uno a investigar más para apreciarla.
El director francés Pierre Creton se gana la vida como agricultor en la Normandía rural. Ha colaborado con Vincent Barré para realizar una serie de películas sobre la naturaleza, la última de las cuales es “7 Walks With Mark Brown”. Esta podría ser la propuesta más relajante de todo el festival. Brown, un botánico, identifica plantas con una voz suave, casi ASMR. A medida que la película llega al final, se remonta aún más al pasado, hacia un bosque que contiene algunas de las plantas más antiguas que sobreviven en la Tierra. Si la idea de experimentar una caminata por la naturaleza a través de una película es bastante irónica, Creton y Barré prodigan primeros planos cariñosos de flores y hierbas. Los recuerdos de Creton de tener sexo entre estas plantas solo se suman a un afecto que uno no puede perderse.
62º Festival de Cine de Nueva York | Del 27 de septiembre al 14 de octubre | Para consultar el calendario completo y obtener información sobre entradas para estas y otras películas, visite filmlinc.org.
